Com llegir pintures: Retaule de San Zaccaria de Bellini

La descodificació d'una obra mestra veneciana

Detall del retaule de Sant Zaccaria (1505) de Giovanni Bellini (c. 1430-1516). Font Wikiart

Hi ha pocs llocs com Venècia.

Amb les seves llacunes i vies fluvials que brillaven sota una llum adriàtica brillant, amb els seus edificis i aigües a vegades pudents (això sempre em fa pensar en la pestilència de la mort de Thomas Mann a Venècia), la ciutat és un paisatge transformat com cap altre.

Hi ha pocs llocs com Venècia, i no menys important per l’art. És rar trobar-lo en aquests dies, però a Venècia encara es poden veure pintures que pengen en la posició per a la qual van ser realitzades. La història de Venècia viu com poques altres ciutats.

Detall de 'Retaule de Sant Zaccaria'. Font Wikiart

Una obra d'aquest tipus és el retaule de San Zaccaria de Giovanni Bellini, pintat el 1505 quan l'artista tenia els seus primers anys setanta. L'any exacte de naixement de Bellini continua sent motiu de debat. El crític d'art victorià John Ruskin va jutjar la pintura com una de les "dues millors imatges del món". (L’altra era la Madonna del Tríptic de Frari, també de Bellini.)

El que sembla immediatament sobre el retaule de San Zaccaria és l'elegant sentit de l'espai que Bellini ha creat. L’il·lusió és d’un absis arquitectònic, un petit espai de capella amb columnes a banda i banda i tapat per una cúpula recoberta de mosaics. La Mare de Déu està asseguda al tron ​​al centre, envoltada de sants. Mireu com el marbre blanc del tron, juntament amb el mantó blanc de Maria, i sobretot, la lluminositat del Nen Crist, fa que el centre del quadre flori.

A més, només cal veure com Bellini ha inclinat la llum de manera que flueix a través de l'escena d'esquerra a dreta, permetent que una ombra suau caigui darrere de Crist a la seva dreta, posant-lo endavant i destacant el seu traç. És fàcil passar per alt aquests detalls, però marquen la diferència.

Detall del retaule de Sant Zaccaria, que mostra d'esquerra a dreta, sant Pere, Santa Caterina, la Mare de Déu que sosté el Nen Crist, Santa Lucía i Sant Jeroni. Font Wikiart

Darrere del tron, el creixement arquitectònic es modelitza en tres dimensions i brilla amb un color groc i ocre suau, la qual cosa permet a la resta de l'escena ocupar un avió orientat cap a prop, gairebé creuant-se al nostre espai del món real. És un triomf de la pintura que cap d’aquests efectes es vegi forçat. La combinació de colors, els vermells, els or, el blau i el verd dels vestits i els blancs subtils de l'arquitectura, ofereixen a tota l'obra una riquesa finament filada. En la subtilesa d'aquesta riquesa hi ha l'originalitat de Bellini.

Què estem mirant?

Un dels plaers de la pintura és descobrir els detalls minúsculs que donen sentit a la vida.

Detall de llum d’ou d’estruç i vidre. Font Wikiart

Un detall d’aquest tipus, a la part superior del quadre, és tan fàcil de perdre: un ou d’estruç penjat d’un acord.

Ara se sap que els estruços posen els ous en nius comunals, que consisteixen en poc més que una fossa rascada a terra. Els ous són incubats per les femelles de dia i pels mascles a la nit.

Tanmateix, a l’època medieval, l’estruç –un ocell molt admirat– es creia habitualment que enterrava els seus ous a la sorra i permetia que la calor del sol realitzés la incubació. A causa dels joves emergents sense participació parental, es va pensar que l'ou d'estruç era un símbol ideal de la virginitat de Maria, un concepte teològicament complicat per al qual es buscaven paral·lelismes a la natura.

L’ou d’estruç, que simbolitza la virginitat de Maria, funciona a l’uníson simbòlic amb la làmpada de cristall que es penja a sota. La làmpada representa la puresa, ja que el vidre de cristall és tangible però també transparent.

De manera que des de la part superior del quadre, una línia vertical es dirigeix ​​cap a baix, des d’un maridatge combinat de virginitat i puresa, cap a Maria i el seu fill a sota.

Talla tallada de Salomó al tron ​​de la Verge i el Nen. Font Wikiart

Un detall més, que potser té sentit per tots aquests signes, és la talla a la part superior del tron. Mostra el cap de Salomó, el fill de David i de Bat-Sebà i el tercer rei d’Israel. Salomó era venerat per la seva saviesa i no es mostra més la seva saviesa que en la meravellosa història del seu judici, tal com s’explicava a 1 Reis 3: 16–28: Davant Salomó hi ha dues dones enmig d’un argument. Tots dos han nascut un fill, però un dels nadons ha mort; Ara les dues dones afirmen que el nen restant és el seu. Per tal de descobrir la veritat, Salomó ordena que es porti una espasa dient: “Dividiu el fill viu en dos i doneu la meitat a l’un i la meitat a l’altre”. En aquest moment, una de les dones renuncia immediatament a la seva reivindicació envers el nen, revelant-se així com la veritable mare, que no podia suportar el fet de veure mal a la seva filla.

Així doncs, el cap tallat al tron ​​de Maria parla de la Verge i el Nen que ocupen un seient de saviesa. Així, potser podrem llegir la unitat de la virginitat, la puresa i la saviesa com atributs ideals de la mare i del fill sagrats.

Maria i Crist estan envoltats de quatre sants, posicionats simètricament al voltant del tron. L’estil general de pintar és conegut com a sacra conversazione, una tradició en la pintura cristiana on es reuneixen diversos sants al voltant de la Verge. Els sants poden ser de diferents edats, independentment del període en què van viure, aparentment en la “conversa santa”, però més sovint en la reverietat reflexiva. Aquest concepte permet multitud de combinacions simbòliques.

A la pintura de Bellini, els quatre sants que es mostren són Pere, amb els seus atributs de la bíblia i les claus (“Et donaré les claus del regne del cel”); Catherine d’Alexandria, sostenint una fulla de palmera per simbolitzar el seu martiri i es va posar al costat de la seva roda destrossada (l’instrument de la seva tortura); Lucy amb la seva pròpia palma i una làmpada de vidre (derivada del seu nom, que significa il·luminar); i Jerome, l’erudit i traductor de la Bíblia al llatí. Als peus de la Verge hi ha un àngel que toca un instrument similar a un violí.

Es posicionen simètricament sobre el tron. Val la pena assenyalar com la composició condueix l’ull cap al centre del quadre, amb les dues figures exteriors que s’enfilaven de forma quadrada cap a fora i les dues figures interiors es van girar a tres quarts cap a l’interior, configurant l’espai de manera que una mena de passatge cap al mig sigui. creat.

Mireu, per exemple, les mans i els braços de la majoria de les figures de l'esquerra, St Peter i Catherine. La posició del braç esquerre de Peter forma una línia contínua amb la dreta de Catherine. Totes les línies del seu drapery i dels angles de les espatlles, per graus subtils, afegeixen un toc de dinamisme interior al conjunt.

Així els sants treballen cap a una composició significativa; també tenen una profunditat simbòlica per si mateixa.

Una manera de llegir els sants és considerar-los com a dos conjunts de parelles gratuïtes: les dues figures exteriors, els dos homes, que representen la fundació de l’església (Pere) i el seu desenvolupament erudit (Jerome); i les dues dones per dins que representen les virtuts de l’aprenentatge i la saviesa (Catherine) i la devoció (Lucy).

Tot això ens pot semblar obscur i pedant, però per a un adorador del segle XVI els símbols haurien estat molt més “llegibles” i aptes per a la reflexió. L'èxit real de Bellini, per què és fàcil anomenar-lo una obra mestra, és l'elecció elegant dels motius simbòlics en un tot harmoniós i una mica naturalista.

Al cor del quadre, la Verge està asseguda al seu tron ​​de marbre, amb el genoll esquerre aixecat per recolzar el Nen Crist, presentant-lo a l'espectador per al culte.

El rostre de la Verge representa potser l’aspecte més inquietant de l’obra i un dilema sobre la interpretació, el que l’historiador d’art TJ Clark anomena el “problema de l’expressió”:

"Fins i tot plantejar el problema com un" problema sembla vergonyós. Què hauria sentit ser la mare de Déu? I com podria registrar-se aquest sentiment, o joc de sentiments contradictoris, al comportament, una “cara” presentada al món? ”
Detall de 'Retaule de Sant Zaccaria'. Font Wikiart

Per respondre al "problema de l'expressió", semblen apropar-se algunes paraules: contemplatives, esbojarrades, reflexives, però no es poden mostrar perquè són massa clarament tòpics.

Per què no veieu també preocupacions o confusions a la cara? Al cap i a la fi, la teologia de la Verge sempre ha contingut algun element de dubte, fins i tot la por. Potser, mentre escolta la música del violí, tocada amb tota la seguretat que té un àngel, els seus pensaments comencen a derivar, i amb una dosi d’enyorança ordinària es pregunta quina estranya li ha passat. Comença a copar el peu del nadó Crist mentre puja la cama: un moment instintiu de contacte entre la mare i el seu nadó que es produeix subliminarment. En un moment Ell baixarà el peu i la mà la courà i els seus ulls es tornaran els uns als altres. Potser. Però és el moment anterior, quan la barrera de la música de violí ens ha fet parar a tots, sants, mare i fill, i fer una pausa al nostre lloc complex en la història de la salvació. La pintura de Bellini fa tot això.

Christopher P Jones escriu al seu bloc. També us pot interessar aquestes històries sobre art: